SIN ORQUESTA Y CORO DE RTVE
Desde hace tiempo la Orquesta de RTVE pende de un hilo, sin embargo esta vez parece que la desaparición de esta agrupación va en serio, pues los recortes para ella suponen «la práctica desaparición de un servicio público y educativo esencial para la cultura y la formación de los españoles». Los coros y orquestas de las emisoras estatales de los países de la Unión Europea tienen una importancia fundamental en la preservación y desarrollo del patrimonio histórico artístico, en el sentido que en el campo musical las obras no son algo acabado, sino que para su transmisión es necesario un intérprete. Sin él, no existe el hecho musical.
Lo que hemos visto en otros lugares, como con el Sistema de Orquestas Venezolanas, en nuestro país no ha servido. El papel de esta Orquesta no es ofrecer temporadas de abono para las clases de élite, sino mantener y crear un archivo sonoro, ya sea con grabaciones en directo o en estudio, que añadan valor al Patrimonio Musical. El trabajo diario, como muy bien apunta la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en su escrito de apoyo a la agrupación dirigido al presidente del Ente.
Los conciertos y otras actuaciones de la Orquesta y el Coro no son eventos elitistas para la alta sociedad, a diferencia hasta cierto punto de las óperas en el Teatro Real, donde una entrada para dos personas en una zona de poca o nula visibilidad cuesta unos 100 euros y una butaca de patio unos 400 euros.Al contrario. El público en los conciertos de RTVE es bastante informal, peor vestido, más ruidoso durante el concierto y mucho mayor que el del Auditorio Nacional de Música en la Calle Príncipe de Vergara, la sede de la Orquesta Nacional de España.
La Orquesta y el Coro desempeñan una valiosa función tanto por su contribución a la cultura española como a la construcción de la imagen internacional de España (tan dañada en los últimos años) a través de sus giras internacionales. Ambas instituciones, además, constituyen un elemento clave en la divulgación musical en la radio y TV públicas, especialmente para aquellas personas que no tienen posibilidad de acudir a un concierto en directo y sólo tienen la oportunidad de disfrutar de conciertos de calidad a través de las pantallas o las ondas.
Este viernes se ha producido un acto de apoyo a la Orquesta de RTVE al grito de SÍ SE PUEDE (si quieres saber más, pincha en SI SE PUEDE). Fuera esperaban la Solfónica del 15M y más ciudadanos y ciudadanas para mostrar su apoyo a un servicio público de calidad como es la RTVE y su institución cultural más destacada, la Orquesta y Coro.
No podemos dejar de hablar en este post de "La Solfónica", una agrupación nacida del Movimiento 15M que reivndican la participación ciudadana, y como dicen en su blog SOLfoblog “La Solfónica surge así, con la fuerza de la autogestión, en un momento en el que tantas agrupaciones musicales, educativas y culturales en general, sufren el estrangulamiento y la falta de recursos. Defendemos el fin de la mercatilización del arte y la educación, pero ello no nos aleja de la reivindicación de un uso de los recursos públicos que responda a las necesidades de la sociedad. A la necesidad de cultura accesible, honesta y libre, inclusiva y con Historia."
No podemos dejar de hablar en este post de "La Solfónica", una agrupación nacida del Movimiento 15M que reivndican la participación ciudadana, y como dicen en su blog SOLfoblog “La Solfónica surge así, con la fuerza de la autogestión, en un momento en el que tantas agrupaciones musicales, educativas y culturales en general, sufren el estrangulamiento y la falta de recursos. Defendemos el fin de la mercatilización del arte y la educación, pero ello no nos aleja de la reivindicación de un uso de los recursos públicos que responda a las necesidades de la sociedad. A la necesidad de cultura accesible, honesta y libre, inclusiva y con Historia."
Y si quieres unirte al manifiesto por la no desaparición de la Orquesta y Coro de RTVE puedes firmarlo aquí nosinorquestaycoro
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El Museo del ejército de Toledo
1. TEATRO DE MARIONETAS
La memoria de los pueblos conserva, gracias a las representaciones de marionetas, gran cantidad de historias en las que se narran las hazañas épicas de personajes ilustres.
El Museo del Ejército, con motivo del Día Internacional de los Museos, inaugura su teatro de marionetas, para ofrecer a su público una representación con la que disfrutarán grandes y pequeños, basada en la historia de Boabdil.
Pero también en otros museos, a nivel nacional e internacional. La fecha coincide en esta ocasión con la Noche Europea de los Museos, con una jornada general de puertas abiertas y una amplia programación cultural. En esta ocasión el Consejo Internacional de Museos (ICOM), órgano dependiente de la UNESCO, encargado de la organización ha elegido para la celebración de las iniciativas que se organizan en todos los museos del mundo el lema ‘Museos (Memoria + Creatividad = Progreso Social)’. Este lema en forma de ecuación reúne diferentes conceptos esenciales que sirven para definir a los museos de hoy, destacando su naturaleza universal y la influencia positiva que ejercen sobre la sociedad.
Los museos estatales invitan a todos los ciudadanos a visitar sus colecciones en horario nocturno y a la participación en actividades especiales dirigidas a todos los públicos.
Como es el caso del Museo Nacional del Romanticismo que prepara la siguiente actividad:
‘La Pajarita Romántica’. En colaboración con la Asociación Española de Papiroflexia este museo dedica el 18 de mayo a este arte.
El Museo Sefardí se encarga de: Un poema de amor para comer
Los visitantes que acudan al Museo el 18 de mayo y cuyo número de entrada acabe en dos veces 7 (número místico por excelencia según la Cábala judía) podrán “comerse” un poema de amor (fragmento de Cárcel de Amor, de Diego de San Pedro, 1942), en un papel de arroz perfumado con jazmín, cuyas letras están escritas con tinta de calamar.
En el Museo del Traje CIPE: Juego de pistas por la Exposición Permanente. A través de un juego de pistas por la Exposición Permanente se puede participar en una secreta misión de espionaje ambientada en la Segunda Guerra Mundial y relacionada con la fórmula de la fabricación del nylon.
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UNIENDO FUERZAS
Los Educadores no sabemos todo, por eso debemos abrirnos a otros profesionales, dejar abierto un hueco, un espacio, para dar cabida a aquello que no sabemos, y sobre todo unir fuerzas y conocer redes para que lo que buscamos sea posible.
La UCLM y la Escuela de Arte de Talavera han unido fuerzas y han encontrado ese punto para crear algo nuevo.
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¡AÚN ESTAMOS A TIEMPO!
Hace unos días se celebró en nuestra universidad un curso con título: CUADERNO SIN LÍNEAS "Diario de viaje para una educación alternativa".
En el que se nos proponía hacer cosas que en muchas ocasiones por nuestra timidez, vergüenza, miedo al ridículo o fracaso dejamos pasar pero, en esos días todos estábamos dispuestos a cualquier cosa que nos fuera propuesta, ¡volvimos a ser niños por un rato! Pero no de manera alocada, sino, buscando el aprendizaje, basado en teorías pedagógicas como la de Paulo Freire, en las que nos demostraron que se puede seguir aprendiendo sin la necesidad de estar sentado en la silla, con el pupitre delante y en silencio, siendo en muchas ocasiones parte del mobiliario del aula. Y sin duda alguna, sin coartar la imaginación, el derecho a intervenir y expresar ideas o proponer cosas nuevas.
En esta ocasión éramos nosotros los protagonistas, los encargados de decidir, de cambiar el rumbo de la situación mediante nuestra intervención, haciendo uso en todo momento de nuestra imaginación y sobre todo de nuestro cuerpo a través de las diferentes técnicas que llevan a cabo algunas de ellas son:
- El Teatro Foro: es una de las herramienta que utilizamos, en la que se busca la reflexión y el análisis de nuestra realidad para ser capaces de encontrar las estrategias clave que permitan un proceso de transformación, búsqueda de propuestas de acción sobre los problemas que se dan en la vida.
Se basa en una pedagogía eminentemente participativa y dialógica.
- El Baúl Mágico: Mediante técnicas basadas en el juego cooperativo y en la valorización de la imaginación como medio de expresión artística, descubrimos nuevas formas de ver y soñar la realidad.
Usando diversos materiales como las telas, los globos, las sombras chinas, la pintura y la música se trabaja en torno al Juego Simbólico, que se constituye como la herramienta más adecuada para fomentar la imaginación que supera la fantasía y no a la inversa.
De esta manera hasta una silla puede dejar de ser silla para convertirse en un barco pirata, una tabla de surf, una carretilla...
Objetivos conseguidos a través de este curso: Ampliar los conocimientos sobre herramientas teatrales para educar y conseguir la transformación de la realidad a través del microtetaro, contradiscurso...
Aprendemos a valorar el uso del cuerpo y la expresión no verbal.
Desde el inicio del curso y hasta el final del mismo se trató de hacernos:
Despertar y ver la realidad
Reflexionar y analizar dicha realidad para tratar de comprenderla
Luchar por transformarla actuando sobre ella
¡UNA EXPERIENCIA SIN DUDA INOLVIDABLE Y MUY RECOMENDABLE! Pues ha sido entretenido, divertido y sobre todo productivo a la par que enriquecedor.
Algo más que una visita. Proyecto Educativo de ARTIUM
Para comenzar a desarrollar el contenido del texto, es preciso formular una pregunta, ¿Que se hace en los museos? En este texto se informa y provoca el cambio de idea que se tienen en los museos, debido a la gran cantidad de prácticas educativas que puede contemplar este espacio.El texto se centra principalmente en ARTIUM (Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo). Se inauguró en Vitoria-Gasteiz el 26 de Abril de 2002.
Los trabajadores de los museos son los agentes que pueden provocar el cambio del día a día del museo. Para ello, se debe de estar en contacto con la realidad, atentos, sensibles a los que está sucediendo a nuestro alrededor. Con ello, tendremos ocasión de conocer a todos nuestros públicos, a los que podremos presentar propuestas y estrategias de acercamiento.
Este tipo de museo tiene la misión de difundir el arte de nuestro tiempo mediante la exhibición de sus propios, de la organización de exposiciones temporales y de la realización de actividades.
El trabajador del museo funciona como mediador entre el público y el museo, el objetivo es acercar la creación contemporánea a los ciudadanos, de facilitar, el acceso a todos los sectores de la sociedad. A través del Departamento se organizan y ofrecen diversos programas educativos que se adaptan a las necesidades e intereses del público. La metodología debe de ser adecuada, basada en la participación, el dialogo, el descubrimiento, la descripción y la discusión, en donde se facilita tanto la comprensión como el disfrute de la obra de arte.Con este tipo de organización se consigue un aprendizaje, ya que se aprenden las cosas por interés. Esta forma de aprendizaje la contempla E. Hooper Greenhill “el aprendizaje es más eficaz si se estimula con acciones seguidas de momentos de reflexión de análisis”.
El objetivo principal que lleva el Museo es que el público disfrute, que pase un buen momento, aprenda con la experiencia de visitar el museo y tenga ganas de volver. Es importante entender el museo como una infraestructura educativa, como un espacio de descubrimiento, como un lugar cercano en el que se puede tener una experiencia agradable, como un lugar de encuentro y de reunión al que se puede volver con frecuencia.
Para conocer más : ART_ium
DESACATO
Con Viviane Nathan tengo, al menos, tres aficiones comunes: los versos, la fotografía y la desobediencia. En este poema se juntan dos de ellas.
Pienso violar todas las leyes,
las órdenes, los ritos, los sistemas.
Voy a treparme a un árbol
y a patear cientos de piedras,
y caminando boca abajo
quizá le vea el trasero
a este mundo embalsamado
donde todo lo que brilla apesta...
Quiro robarme un manojo de estrellas,
pintar la luna de verde
y al sol ponerle una careta.
Así, cuando me tomen de la mano
y me lleven a una celda,
cantaré un himno al desacato,
me pondré las rejas en los ojos
y entonces quedarán encerrados los de afuera...
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Respuesta que dan en la Revista Mongolia, que es una revista satírica, y como ellos dicen "sin mensaje alguno", a un lector empeñado en que la gente trabaje por amor al arte.
Este lector debe pensar que el arte, la cultura, en cualquiera de sus formas deben ser gratis. El amor al arte es importante, porque probablemente el que trabaje siendo artista lo hará mejor sintiendo amor con lo que hace. Sin embargo, si el arte o la cultura siempre es gratis, no se daría valor a lo que se hace. Ser artista cuesta, y mucho. Y aquí lo dejamos ¿el artista nace, o se hace?
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28/ 02/ 2013
¿Quién es ese melenas que toca el violín en un escaparate?
En el día de ayer la prensa nos sorprendía con una experiencia, Ara Malikian se presentaba ante la mirada atónita de los viandantes de la Gran Vía madrileña en un escaparate de una conocida marca de ropa.
Este virtuoso del violín nos enseñó que cualquier lugar es idóneo para llevar cultura a la ciudad. Y hablamos de MÚSICA, así con mayúsculas, esa música a la que no tenemos acceso la mayoría de la población.Esa música "aburrida" y para un público "entendido", y que pensamos que va dirigida a gente estirada y seria.
http://www.publico.es/culturas/451353/quien-es-ese-melenas-que-toca-el-violin-en-un-escaparate
No obstante, Ara Malikian tampoco es un músico al uso, y no se presenta como el músico serio que vemos en las retransmisiones de los grandes conciertos del día de Navidad desde Viena. Entiende el mundo como una fuente inagotable de sonidos y melodías susceptibles de ser mezcladas.
Para este gran violinista la música clásica no debe vivir recluida en un armario con olor a naftalina, sino que tiene que salir, alternar con el jazz y el flamenco y, por qué no, compadrear con el heavy metal. Pues la música no excluye, se complementa una con otra. Porque la música clásica ha tenido unos músicos geniales y no deben caer
en el olvido. Por eso debemos convencer al público de que los compositores de hace 300 años también pueden ser escuchados hoy.
Malikian no sólo quiere liberarla de un incómodo corsé purista, sino que también desea rejuvenecerla, tanto que espera inculcar el amor por la música clásica en un programa de televisión dedicado a los niños, El club de Pizzicato.
En el día de ayer la prensa nos sorprendía con una experiencia, Ara Malikian se presentaba ante la mirada atónita de los viandantes de la Gran Vía madrileña en un escaparate de una conocida marca de ropa.
Este virtuoso del violín nos enseñó que cualquier lugar es idóneo para llevar cultura a la ciudad. Y hablamos de MÚSICA, así con mayúsculas, esa música a la que no tenemos acceso la mayoría de la población.Esa música "aburrida" y para un público "entendido", y que pensamos que va dirigida a gente estirada y seria.
http://www.publico.es/culturas/451353/quien-es-ese-melenas-que-toca-el-violin-en-un-escaparate
No obstante, Ara Malikian tampoco es un músico al uso, y no se presenta como el músico serio que vemos en las retransmisiones de los grandes conciertos del día de Navidad desde Viena. Entiende el mundo como una fuente inagotable de sonidos y melodías susceptibles de ser mezcladas.
Para este gran violinista la música clásica no debe vivir recluida en un armario con olor a naftalina, sino que tiene que salir, alternar con el jazz y el flamenco y, por qué no, compadrear con el heavy metal. Pues la música no excluye, se complementa una con otra. Porque la música clásica ha tenido unos músicos geniales y no deben caer
en el olvido. Por eso debemos convencer al público de que los compositores de hace 300 años también pueden ser escuchados hoy.
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LA DANZA COMO HERRAMIENTA EDUCATIVA
“No mires atrás, pase lo que pase, avanza”
A través de la danza, la educación se presenta como un proceso, donde el trabajo conjunto permite un desarrollo individual, la disciplina cobra un papel fundamental y las ganas (pasión) de educar el cuerpo y la mente hacen el resto del trabajo, obteniendo respuestas, resultados a lo largo del tiempo. Se muestra como se genera autocontrol, exigencia y fuerza para continuar ante las adversidades. Movimientos, representación y técnica de la que se apropian los bailarines en tanto contenidos educativos, puesto que mantienen la esencia de Maurice Béjart e innovan ante un público exigente. Todo lo anterior se hace posible partiendo de la pasión por mejorar, aprender y crecer como bailarines (y como compañía).
La compañía es “Un mundo donde conviven la exigente disciplina para la danza con la búsqueda de conocimiento y el desarrollo individual”. Además, aún perteneciendo a la “cultura de élite” tiene la capacidad de atraer a un público muy diverso desde los más jóvenes hasta los más viejos, desde los más ricos hasta los más pobres, abarcando todas las capas sociales.
El coreógrafo se amoldaba a las características de un bailarín, a su esencia, a su personalidad, no pretendía que un bailarín fuese alto, que tuviese las piernas bonitas o empeine, no. Se baila como se es, haciendo movimientos que se sienten, adaptados al propio bailarín. Transmite esa pasión por crecer y destaca la esencia (cualidades) de cada componente de la compañía, desarrollándolas al máximo. “Al principio es un niño que se levanta y baila, luego es bailarín que suda y al final es como un niño que se levanta y baila”. Por tanto, hay que dar tiempo al aprendizaje ya que es un proceso educativo largo e importante, que requiere hacer lo que “no se hace” para conseguirlo, porque es un proceso duro y parte de la resistencia. Sólo uno mismo, a lo largo del tiempo, puede romper ese muro.
El coreógrafo se muestra como guía, transmite (y exige) fuerza y ánimo para continuar “educando(se)”. Para que esto pueda darse es necesario, además de la propia iniciativa, un equipamiento municipal, una comunidad que promocione la cultura, que esté preparada para producir, recibir y valorar producciones artístico-educativas. De tal manera, el Ballet Lausanne, es un ballet de élite, ofrece oportunidades y es sostenido y financiado por el municipio, valorado por los ciudadanos quienes lo viven como algo suyo.
El documental “EL ESFUERZO Y EL ÁNIMO” fue rodado en París, Basilea, Lausanne y Madrid, mayoritariamente en los teatros de dichas ciudades. En él se muestra el sentir de los treinta y cinco componentes de la compañía de Maurice Béjart momentos antes de presentarse ante la ciudad de Laussanne por primera vez sin Béjart. Del éxito de ese día dependendía su futuro, dependía ganarse la confianza de sus ciudadanos y poder, de este modo, "continuar, preservar, poseer, la obra de Maurice y sus ballet". Como relata su creadora, "El esfuerzo y el ánimo es una película sobre personas que pelean por salir adelante, no es sólo una película de danza".
La cineasta Arantxa Aguirre (bailarina de ballet clásico. Estudió durante unos meses en la escuela Mudra de Bruselas), realiza este documental tras la muerte de Béjart en 2007, con el objetivo de hacer algo que pudiera contribuir a defender su legado, precisamente cuando más apoyo necesitaba la compañía.
La cineasta Arantxa Aguirre (bailarina de ballet clásico. Estudió durante unos meses en la escuela Mudra de Bruselas), realiza este documental tras la muerte de Béjart en 2007, con el objetivo de hacer algo que pudiera contribuir a defender su legado, precisamente cuando más apoyo necesitaba la compañía.
Maurice Béjart
(01/01/1927 - 22/11/2007)
Bailarín y coreógrafo francés. Fue uno de los grandes renovadores de la danza en la segunda mitad del siglo XX. Supo combinar la tradición clásica y moderna, el jazz, las acrobacias circenses, las filosofías orientales... En sus producciones ha empleado elementos eróticos como “El Bolero”, y temas sociales y políticos como “El pájaro de fuego”. Su compañía actuó en escenarios no convencionales y bailó ante multitudes en palacios de deportes y circos.
En 1988 Béjart trasladó su grupo a Lausanne, Suiza, donde falleció el 22 de noviembre de 2007.
“Bien podrán los encantadores quitarme la aventura, pero el esfuerzo y el ánimo, será imposible”.
Ver vídeo "El Bolero":
Ver vídeo “El pájaro de fuego”.
Para conocer más acerca de esta compañía, puede visitar su web en:
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¿Las reconoces? ¿Sabrías decir quién es su autor? ¿Qué representa?
¿Las reconoces? ¿Sabrías decir quién es su autor? ¿Qué representa?
Éstas son algunas de las cuestiones que me surgieron tras visitar el museo del Prado hace tan solo unas semanas, pero no son las únicas pues tras ver el vídeo "La servilleta de Picasso" me surgen otras muchas, como pueden ser ¿qué uso de damos al arte? (ya sea pintura, escultura, música, danza...) ¿qué importancia tiene en estos momentos para nosotros? ¿dicen algo que realmente no vemos?No hay obra de arte tras la cual no haya un mensaje que el autor nos quisiera hacer saber, el arte no es inocente, con el arte se representan y expresan emociones, sentimientos, estados de ánimo, el dolor y el sufrimiento de una guerra... Son muchos los expertos que se encargan de analizar minuciosamente todos estos matices y lo hacen no solo centrándose en el cuadro en sí, sino que también tienen en consideración el momento social, político y económico por el que pasa el país.
Resulta curioso, que haya gente que se dedique a hacer estudios tan minuciosos de las obras de las cuales solo van a poder "disfrutar" unos cuantos privilegiados, pues desgraciadamente hay ciertas cosas que no están al alcance de cualquiera, pareciera que solo tienen derecho a ello unos cuantos con poder adquisitivo.
¿Cómo ha cambiado todo esto, que concepto se tenía antes y se tiene ahora del museo? ¿cuál es su fin?
Al parecer, hace algunas décadas el objetivo que tenían los museos era instruir al pueblo, ¿y ahora? parece que solo se centren en el comercio y la recaudación económica y en hacer una selección de la población que pueda acceder a ello. Se han convertido en una especie de centros comerciales, lugares de consumo e intercambio de mercancías, al que vas si hay un espacio de tiempo en su horario en que el precio de la entrada es reducido o gratuito. De lo contrario, en muchas ocasiones prefieres dedicar ese importe en cualquier otra cosa. Pues visitar los museos a quedado relegada a una visita turística, no artística, es una forma de pasar el rato, sin pasar frío.
En la era de la tecnología en la que nos encontramos, ya ni siquiera es necesario salir de casa para asistir a una visita guiada por cualquier museo, ir teatro, al cine... basta con disponer de un ordenador, conexión a internet y el interés por indagar por la webs, pues en ellas te informan de las exposiciones, los horarios, visitas guiadas, incluso de actividades enfocadas a los más peques de la casa, ofertas...
http://www.moma.org/
http://www.museodelprado.es/
Aquí dejo un pequeña lista de los considerados los diez mejores museos del mundo entre los que se encuentra el museo del Prado y el Reina Sofia.
1º Museo de Louvre, en París
2º El ‘Metropolitan Museum of Art’, en Nueva York
3º El Museo del Prado, en Madrid
4º La ‘National Gallery of Art’, en Washington, D.C
5º El Museo Reina Sofía, en Madrid
6º El Museo Británico, en Londres
7º La ‘National Gallery’, en Londres
8º El Museo de El Cairo
9º Museo Guggenheim, en Bilbao
10º El Museo de Historia Natural, en Nueva York
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Algunas experiencias de autogestión
Existen varias experiencias de autogestión que todo el mundo debería conocer, y cuyo éxito nos demuestra que otro mundo es posible y que la utopía es una cuestión de voluntad y perseverancia. Están basadas en los principio de asamblearismo, horizontalidad, y autogestión, que proponen otro modelo de organización social.
Escuela Popular "La Prospe": : La Prospe es una escuela autogestionaria de personas adultas que funciona de forma asamblearia. Surgió en 1973 en el barrio de Prosperidad, en Madrid, bajo la dictadura franquista, como respuesta a las altas tasas de analfabetismo en el barrio y ante la necesidad de un movimiento asociativo vecinal no clandestino.
Biblioteca popular de Aluche "La Candela": La Biblioteca Popular de Aluche "La Candela" (Madrid) lleva funcionando desde 2001 gracias a la donación de materiales y libros (que no se encuentran en las bibliotecas oficiales) por parte de los vecinos del barrio. Se practica la autogestión con el objetivo de conseguir una autonomía e independencia completa que mantenga el proyecto fuera de la influencia de las instituciones y sus subvenciones mediatizadoras.
Lakabe, ecoaldea autogestionada: Lakabe es una experiencia comunitaria que nació en 1980 con la "okupación" y recuperación de un pueblo en el norte de Navarra por parte de unas treinta personas. Puede decirse que la ecoaldea ha conseguido la autosuficiencia, coexistiendo en perfecta armonía con el entorno natural.
Bajo el Asfalto está la Huerta (BAH): El BAH es una cooperativa agroecológica (de producción-distribución-consumo) que sigue los principios de la autogestión y el asamblearismo. Surgió a comienzos del otoño de 1999 con la "okupación" pacífica de una finca en desuso.
Patio Maravillas (Madrid): Famoso centro "okupa" madrileño (Espacio Polivalente Autogestionado), que arrancó con la "okupación" en verano de 2007 de un antiguo colegio en la calle Acuerdo, 8. Tras el desalojo de esa primera ubicación, se han trasladado a la calle Pez 21, donde siguen desarrollando sus actividades.
Radio ELA, Emisora Libre Autogestionada (Madrid): Radio ELA es un proyecto de comunicación autogestionado que practica la contrainformación y la disidencia. Radio ELA se construye colectivamente, funcionan en asambleas, todo aquel que se acerca al micro es gestor de la radio. Renuncian a la subvención, publicidad o cualquier modelo de sostenibilidad tutelado, "nos procuramos nuestros recursos, trabajamos para nosotros"
La Tabacalera. Centro Social Autogestionado de Lavapiés: En 2009 se proyecta en la antigua Fábrica de Tabacos de Madrid el Centro Nacional de Artes Visuales con un presupuesto de 30 millones de euros. El proyecto se paralizó. En marzo de 2010 se crea la asociación Centro Social Autogestionado La Tabacalera de Lavapiés, que administra parte del edificio por una cesión por parte de Cultura de 2 años prorrogable a 8. En septiembre de 2012 los voluntarios repiensan el proyecto para corregir problemas de seguridad y se centran en buscar una fórmula para dar continuidad a un experimento "muy complejo, formado sólo por voluntarios, que vienen y van, que cada cierto tiempo necesita repensarse".
Pero, insisten sus impulsores, con los mismos puntos de partida de cultura libre, colectividad, autogestión y gratuidad. LTBC entiende la cultura como una noción que abarca las capacidades creativas y sociales de la ciudadanía. Dichas capacidades comprenden no solo la producción artística, sino también la acción social, el pensamiento crítico y la difusión de ideas, obras y procedimientos que buscan expandir y democratizxar la esfera pública. LTBC es un centro integral que incluyen lenguajes y modelos de expresión, pero también la complejidad demográfica, cultural, étnica, de registros y modos de habitar el territorio y del tiempo inmediato.
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